SETBA es un espacio cultural polivalente, destinado a acoger exposiciones artísticas, presentaciones, talleres y actividades diversas. Uno de los principales objetivos es dar voz tanto a los artistas reconocidos como a aquellos que se inician en el arte, les ofrece el espacio como altavoz para que se acerquen al público. El otro eje central es la recuperación para la ciudad de un espacio de creación artística y movimiento cultural, como son la Plaza Real y el barrio de Ciutat Vella.

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Dirección: Plaza Real, 10, 1º, 2º. 08002. Barcelona (Catalunya, España).

Teléfono: 93 481 36 96

Web: www.setba.net

Email: setba@setba.net

Artista prolífico, basa su producción en la pintura como eje de actividad.

Estudia Artes y Oficios en la escuela de Madrid, facultándose para el ingreso en la Escuela de Bellas Artes de San Fernando al tiempo cursa en el Círculo de Bellas Artes sobre proporción y anatomía humana.

La constante en su carrera artística es la inquietud por todas las artes, concibiéndolas en estructura piramidal cuyo vértice, como punto común, conforma la unión de sus caras o manifestaciones.

Esta concepción le lleva a abordar con pasión el teatro como actor y escenógrafo siendo cofundador de la compañía Aquellarre, con la que obtiene reconocimientos de ámbito nacional. Participa paralelamente en producciones de adaptaciones literarias a la escena, que tendrá su prolongación en la producción y dirección de espectáculos.

Sus viajes por Europa y EE.UU amplían horizontes expositivos y conceptuales de la propia materia artística, interviniendo activamente en colectivos y factorías de creación en las que se interrelacionan disciplinas y estilos en sus diferentes tendencias.

La inquietud creadora, el manejo del espacio y capacidad de dibujo, faculta al artista a afrontar proyectos de Arquitectura Interior, en un equilibrio entre la estética y funcionalidad, donde los elementos, como partes un cuadro, tienen personalidad propia y de conjunto a través de su materia, condición, volumetría y ubicación.

El diseño, acondicionamiento y decoración de espacios públicos y privados, pintura mural, son materias que por extensión emprende con la misma actitud que la realización de un obra pictórica, consciente de que cada parte conforma el todo y viceversa.

Su área interpretativa y su relación con el mundo artístico le abren puertas en medios de comunicación y se deja seducir por la emisión en directo de las ondas radiofónicas. Así dirige y produce en emisoras públicas y privadas el programa de difusión cultural “La Kolmena” como prolongación de las actividades del Centro de Arte del mismo nombre que el artista funda y gestiona, en el que confluyen, como en aquella pirámide, todas las manifestaciones: Música, pintura, teatro y literatura. Y sus creadores.

Su pintura, es el claro exponente de su concepción creativa: sincera e independiente.

Convencido de que el artista ha de ser una continuación de sus pulsaciones internas en la aplicación de las distintas técnicas, la obra nos sorprende de igual manera en su facilidad de trazo, su amplia y expresiva pincelada, la convulsa mancha o el sosegado y minucioso dibujo.

No hay tiempo para reflexionar sobre el exterior cuando es el interior el que está en juego.

No es una obra casual, ni quieta en el tiempo. Se mueve y nos habla de estados diferentes, pero no nos acostumbra.

El acto y estética es lo que enamora su actitud. La misma que escribe su historia.

Sus trabajos forman parte de colecciones públicas y privadas, nacionales e internacionales.

Actualmente reside y trabaja en Andalucía sin dejar atrás el compromiso social de saber que el arte es también la consecuente relación con el entorno.

SYNOPSIS:

He studies Arts and Trades in the school of Madrid and is present at the studies of the Circle of Fine arts on anatomy and Proportion of the human body.

He investigates not only in the plastic arts, also in dramatic art as actor and set designer -national prizes-; design and decoration; muralista; announcer of radio and The director of theatre.

Founder of the center of art THE COLMENA. Co-founder of the CIA. of theatre AQUELARRE.

In graphical areas he develops the different current computerized technologies.

He travels for Europe and The United States. His works are present in different public and private collections.

Vídeo “Colección Andalucía”

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jorkareli@gmail.com

Web: www.jorkareli.blogspot.com

Serena Fortin nace en Rovigo en el norte este de Italia en 1967. A los 20 años se muda en la bella Toscana -permaneciendo allí durante 6 años- para summergirse en un estimulante ambiente artistico consiguiendo tambien el Diploma de Maestro de Arte en el “Istituto de Arte de la Madera e del Restauro del Mueble Antiguo” en Anghiari (Arezzo) en 1990. Es aquí donde empieza su pasión por la talla de la madera, aunque combina ésta con la restauración de lienzos y frescos antiguos. Frecuenta y trabaja en diversos talleres de la zona donde viene guiada su formación artistica por grandes expertos.

De vuelta a su tierra de origen, monta su propio taller, donde desarrolla su carrera profesional realizando trabajos de restauración tanto para clientes privados como entidades públicas y museos. En el año 2000 sigue un curso de “decoración de interiores” que le brinda nuevas oportunidades y experiencias como para profundizar una vieja pasión: la decoración en todas sus posibles aplicaciones hasta la realización de muebles y sus complementos. En las horas de ocio se dedica a la pintura: óleo sobre lienzo, acrílico sobre lienzo y tabla.

Desde hace unos años se dedica también al proyecto y realización de joyas-escultura exponiendo sus obras en la exposiciones italianas más importante del sector tales como la Exhibición Internacional de orfebrería, joyería de plata y joyería “ORO AREZZO” y la Feria Internacional “VICENZA ORO”. Desde septiembre 2006 vive en Jerez de la Frontera trabajando en su taller como restauradora de antigüedades y en la realización de esculturas en madera.

EXPOSICIONES

• Exhibición Internacional de orfebrería, joyería de plata y joyería “ORO AREZZO” y la Feria Internacional “VICENZA ORO” en 2004 y 2005.
• Exposicion individual “formapura” en Galeria Belen – Jerez de la Frontera 2008
• Exposición collectiva “Entre lineas” en Galeria Gades – Chiclana de la Frontera 2009
• Seleccionada al XI Certamen Internacional de Arte Plastica de la Confederación de Empresarios de la provicia de Cadiz (CEC) 2009
• Seleccionada al XXI Certamen Artes Plásticas “Miguel González Sandoval” de Lora del Río 2009

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Email: serenafortin@formapura.es
Web: www.formapura.es
Web: www.sfrestauraciones.es

Critica de Arte y Comentario de la Trayectoria Artística de David Saborido, por Iruizz. CASTELLANO:

En todo el proceso creativo de la obra de David Saborido, ha existido una separación constante de lo evidente y lo prefijado, concretándose los aspectos más relevantes en las segundas lecturas que generan las piezas.

Se expresa como se siente, de percepciones y sensaciones cotidianas nace la necesidad de concretar imágenes, síntesis inexactas, a su vez, de la experiencia vital.

En sus obras iniciales, encontramos primeros cuadros vinculados al arte Póvera, (arcilla, arena, barnices), con una ausencia total de figuración, que progresivamente fue dando paso a un expresionismo abstracto, de señalado poder compositivo y de color.

En un segundo momento, la obra adquiere un componente más conceptual, al comenzar a trabajar con radiografías, y concretarse hilos narrativos a través del rescate de imágenes aparecidas en dicho material. Interiores del cuerpo que volvían a cobrar significación como elementos aislados, rediseñándose con los distintos materiales escogidos para ser mostrados. Fue expuesta esta obra de diferentes maneras, bien como piezas con un único elemento representacional, o piezas de gran tamaño compuestas por múltiples imágenes a modo de moléculas, que se subrayaban sobre fondo blanco. También se pudo observar en formato de varias piezas pequeñas, organizadas en forma de instalación en el espacio expositivo, que facilitaban y ampliaban la idea de la interconexión que aquellas imágenes guardaban entre sí.

Posteriormente se rompe la trayectoria de pintor de estudio. Desaparecen los barnices, las maderas fotocopiadas, las radiografías, y el óleo, para encontrar en el medio fotográfico el mejor camino para ofrecer aquello que se pretendía contar. En aquellas fotos aparecían extractos de piel elegidos por su capacidad de evocación, síntesis de particularidades estéticas que escapan al estereotipo de belleza corporal. Aquellas piezas deseaban mostrar y transmitir los detalles, los pequeños resquicios de nuestro cuerpo, como reflejo del encanto, la ensoñación, el desasosiego, la inquietud provocada por esos lugares; accesibles, al que se acerca a la existencia, detenidamente.

Transcurren aproximadamente dos años hasta que comienza a gestarse un proyecto nuevo “Pliegos de Oro”. Tiempo necesario para recolocarse tras lo avatares de la vida. Experiencias que se verán reflejadas en cada una de las piezas que se crean en aquellos momentos. Un proyecto que con el color dorado, oro, como base, fue dando paso a distintos formatos y formas de exhibición (grafismo sobre papel, óleo sobre lienzo, acrílico sobre grandes pliegos colgantes a modo de esculturas, instalaciones).

La envoltura dorada guardaba en su interior exquisitas formas de expresión, pudiéndose observar piezas de una impronta expresionista, a base de largos y directos trazos con fuerte carga de color, piezas de orden conceptual, con grafismos bien definidos en formas de cuadrados junto a estructuras de compasión indefinidas y en clara confrontación, y algunas obras, de tono más figurativo (representaciones cercanas a troncos y ramas de árboles). Múltiple y conexa muestra de expresión, de quién necesitaba contar, después de largo tiempo de silencio plástico.

“Caja de sonidos”, aparece como una manifestación íntima y profunda del mundo plástico del pintor. En un momento inicial del trabajo “Caja de sonidos”, se plasma a través de abstracciones con predominio de serenos trabajos de color (azul cobalto), y representaciones gráficas a modo de marcas, similares en forma y tamaño, que trascurren a lo largo de la pieza. Que en una primera observación se pierden en el conjunto de la abstracción, pero, en una relectura, cobran significado, y aportan un nuevo discurso en lo contemplado.

En la consecución lógica de un trabajo abierto a nuevo caminos, se observa una nueva secuencia donde aparecen las ventanas, como lo hicieron en aquellos primeros trabajos más conceptuales de la época de estudiante, y como reaparecieron, en trabajos posteriores con las radiografías y las fotografías. Un hilo conductor que en nada trae una similitud plástica evidente, cada trabajo guarda una obvia distinción, pero si nos recuerda la importancia de la veladura, la transparencia, técnica repetida como énfasis de un discurso trascendente en relación a las dicotomías, a las complementariedades, a las autonomías, de unos planos sobre los otros, de unos seres sobre otros, de unos pensamientos y sentimientos sobre otros. La realidad, representada en el primer plano, con improntas emotivas de amplios campos de color .Los segundos planos, representantes de las naturalezas, de las esencias más profundas; mostrados como composiciones etéreas, casi efímeras.

Art Criticism and Comentary on the artistic career of David Saborido, by Iruizz. ENGLISH:

Throughout the creative process of the David Saborido, there has been a constant separation of the obvious and the fixed, namely the most important aspects in the second readings to generate the parts.

It expresses how you feel, everyday perceptions and feelings comes the need for concrete images, incorrect synthesis, in turn, vital experience.

In his early work, we find first pictures linked to arte povera, (clay, sand, varnish), with a total absence of representation, which gradually gave way to abstract expressionism, from pointed to compositional and colour.

In a second stage, the play acquires a conceptual component, to begin working with x-rays, and made specific narrative threads through the rescue of images appearing in this material. Interior of the body regained significance as isolated elements, redesigned with different materials chosen to be displayed. It was this work exposed in different ways, either as single pieces with a representational element, or large pieces of multiple images in the form of molecules, which highlighted on a white background. It was also observed in several small pieces format, organized as installation in the exhibition space, which facilitated and expanded the idea that those images interconnection among them.

Then you break the painter path of study. Disappear varnishes, lumber, photocopied, radiographs, and the oil, to find the medium of photography the best way to provide what was intended to tell. In the photos appearing skin extracts selected for their ability to evoke, particularly aesthetic synthesis beyond the stereotypes of physical beauty. Those pieces wanted to show and pass on details, the small crevices of your body, reflecting the charm, daydreaming, restlessness, anxiety caused by these places, accessible, which is about the existence, carefully.

After about two years before a project begins to take shape again, “Sheets of Gold.” Time to relocate after the events of life. Experiences that will be reflected in each of the pieces that are created at the time. A project with the gold colour, gold, as base, gave way to different formats and forms of display (graphic on paper, oil on canvas, acrylic on large sheets hanging in the form of sculptures, installations).

The golden envelope kept inside exquisite forms of expression, being able to observe an imprint expressionist pieces, based on direct long strokes with a major colour, conceptual pieces, with well-defined graphics in a square next to structures undefined compassion and clear confrontation, and some works, figurative tone (representations close to tree trunks and branches). Multiple and related displays of expression, who needed to have, after long time of silence plastic.

“Sound Box” appears as an intimate and profound manifestation of the painter’s plastic world. In a moment of the work “sound box”, is reflected through abstractions work predominantly serene colour (cobalt blue), and graphic representations as a framework, similar in shape and size, which term commences along Part. That in the initial observation is lost in the set of abstraction, but in a rereading, acquire meaning, and bring a new speech in the contemplated.

In pursuit of a working logic open to new roads, there is a new sequence where windows appear as they did in those first more conceptual work of student days, as reappeared in later works with X-rays and photographs.

A thread that nothing brings a clear plastic similarity, each job saved an obvious distinction, but if we remember the importance of veiling, transparency, technical repeated emphasis of a speech as transcendent in relation to the dichotomies, the complementarities, to autonomy, a few planes over others, some people over others, a few thoughts and feelings about others. The reality, as represented in the foreground, with emotional imprints of large colour fields. The backgrounds, representatives of the natures, essences most profound compositions shown as ethereal, almost ephemeral.

Un Estamento de Máximos, por Bernardo Palomo. CASTELLANO:

La trayectoria artística de David Saborido – escueta por la juventud pero dilatada por los abundantes proyectos realizados – ha asumido desde un principio las propuestas más comprometidas de la contemporaneidad plástica. Venía de una formación que iba mucho más lejos que la que estamos acostumbrados a vislumbrar en los jóvenes formados en Facultades más cercanas. Esto, precisamente por ello, imprime carácter a los que tienen la suerte de haberlo vivido. En el caso contrario, los que han soportado estructuras académicas anticuadas no tienen más remedio que abrazar una fe artística sustentada por un convencimiento propio y no por el patrimonio de los que instruyen. Además, en el caso de David Saborido, su convencimiento de que el arte sólo pasa por la inmediatez de las estructuras creativas, lo hacen poseedor de un credo artístico sin vuelta de hoja y sustentado en una convicción de que la realidad sólo es la que es. Por eso, la obra del autor jerezano está apoyada en una preclara visión de un arte hacia adelante donde existen muy pocos resquicios para la duda.

Conocí a un David Saborido recién llegado de su Barcelona universitaria. Venía ahíto de entusiasmo, lleno de ilusiones y abierto a las mayores y a las mejores expectativas. Se encontró con una ciudad muy parca en intenciones, con unas vacas sagradas de la modernidad que muy poco aportaban, sólo vacua dialéctica y filosofía barata sin sustancia creativa alguna y, además, con unas infraestructuras expositivas abandonadas por la dejadez de unos mediocres o en manos endiosadas. Sólo había ciertas ínsulas rodeadas de anticuadas posiciones. La afortunada visión de lo artístico que traía de otras tierras únicamente en aquellas encontraba reflejo – todavía lo sigue haciendo pues la realidad no ha cambiado demasiado -. En ellas se apoyó y desde ellas se encontró inmerso en una sociedad artística jerezana con más cohetería que otra cosa. Pero David Saborido, que sabe lo que quiere, no se dejó embaucar por las alharacas de los que nada tienen que decir. Se encerró en su casita amarilla, santa sanctorum de su realidad artística y existencial, trabajó casi en solitario y se fue abriendo camino en un arte que exigía artistas con mayúsculas y no envueltos en la doble capa de una verdad en entredicho – se podría cambiar lo de verdad por mentira y no alterar la idea planteada -. Ahora, después de un tiempo de necesaria búsqueda, de planteamientos que se cuestionan y se abren a nuevos esquemas para insistir en novedosos postulados, también susceptibles de revisión, nos encontramos con un David Saborido nuevo, ilusionado, expectante y con muchos bríos – los mismos de toda la vida, pero renovados y lleno de inquietud creativa -. Creo que se encuentra en un momento existencial muy bueno y ha encontrado en lo artístico el adecuado desarrollo, lo que se traduce en un desenlace artístico contundente y lleno de emoción. Por eso considero que esta exposición va a ser todo un punto de inflexión para una carrera que, desde este momento, se me antoja llena de muy buenas proposiciones.

La pintura de David Saborido se ha vuelto más pintura, se ha sustentado en una beneficiosa carga plástica que, desde su materialidad, asume una posición estructural llena de enjundia pictórica y abierta a los máximos registros compositivos. En ella se plantea un compromiso con la verdad de un arte que él sabe cómo sacarle el mejor de los partidos. Ha condicionado el expresionismo de otros tiempos a un moderado patrimonio de la forma pictórica, que se ha desprendido de innecesarias hojarascas para acoger la máxima materialidad que ofrece el pigmento puro, esparcido con suma maestría y desarrollando unas marcas cromáticas que asumen todo su poder emocional. La nueva obra de David Saborido, con esos campos en azul bellamente dispuestos, nos retrotrae a una pintura que ejerce la función vehicular de transportar la máxima espiritualidad. Y es que esas superficies esparcidas de color puro, sin desvirtuaciones estructurales, sin mensajes distorsionantes, nos envuelven con la suprema magia de un color que ejerce su estamento posicional para desencadenar las más imprevisibles emociones. Pero, además, aquí la pintura se convierte en un mínimo campo de actuación, en un escueto escenario donde sólo asume su extraordinario poder la contundencia formal de un color que marca las rutas plásticas a seguir.

Se trata de un minimalismo compositivo que deja de serlo para convertirse en un maximalismo emocional que, a veces, nos acerca a la suprema sensualidad de un color en su máximo poder circunstancial.
La pintura de David Saborido ha llegado a un estamento de máximos. Con ella se sostiene un bello credo donde no hay lugar para la duda. Estamos ante una pintura que se ha hecho madura de tanto buscar posiciones llenas de verdad creativa. Ya no existen iniciales tanteos, ahora todo queda sustentado en los horizontes de una pintura con mayúscula donde intervienen muchas buenas situaciones. Es el tiempo de un David Saborido que alcanza un nuevo estamento pictórico. Lo demás son pobres dialécticas sin sustancia.

A Layer of Maximum, by Bernardo Palomo. ENGLISH:

The artistic career of David Flavor – brief for the youth but long for the abundant projects – has assumed from the outset the most committed proposals of contemporary arts. It came from an education that went far further than we are used to envision in the youth trained in Faculties closer. This is precisely why, print character to those lucky enough to have lived. Otherwise, those who have endured outdated academic structures have no choice but to embrace an artistic faith supported by a personal choice and not by the heritage of instructing. Moreover, in the case of David Saborido, convinced that art goes only by the immediacy of creative structures, make it an artistic credo holder without turning back and based on a belief that reality just is what it is . So Jerez author’s work is supported by a vision of an enlightened art forward where there are very few loopholes for doubt.

I met a David Saborido Barcelona fresh from his university. Came awash with enthusiasm, full of dreams and open to the largest and best expectations. He found a city very economical with intent, with some sacred cows of modernity that contributed very little, only vacuous philosophy dialectic and creative cheap no substance whatsoever and also with exhibition infrastructures abandoned by the negligence of a mediocre or hands endian. There were only certain islands are surrounded by outdated positions. The lucky artistic vision of what he brought from other lands, those found only in reflection – it still does the reality has not changed much -. They supported and from there he found himself immersed in a society with more fireworks Jerez artistic than anything else. But David Saborido, who knows what he wants, not duped by the fuss made by those who have nothing to say. She locked herself in her yellow house, holy of holies of his artistic and existential reality, he worked almost single-handedly and was making its way into an art requiring artists capitalized and not involved in the double layer of a truth into question – you could change what truth for a lie and not alter the idea put forward -. Now, after a time of necessary search of approaches that challenge and open to new innovative schemes to insist on principles, also subject to revision, we have a David Saborido new, hopeful, expectant, and with great strength – the same lifetime, but renewed and full of creative restlessness -. I think it is in a very good and existential moment in art has found the proper development, resulting in a strong artistic outcome and full of emotion. So I think that this exhibition will be a big turning point for a career that, from this moment, seems to me full of very good proposals.

Saborido David’s painting has become more painting, has been underpinned by a profitable load plastic, their materiality, structural position assumes full of substance and pictorial records open to the maximum compositional. It poses a commitment to the truth of an art that he knows how to get the best games. Expressionism has conditioned other times at a moderate heritage of pictorial form, which has been shedding unnecessary foliage to accommodate the maximum material that offers the pure pigment, scattered with great mastery and developing color markings that assume all its emotional power. The new play by David flavors, with those fields in blue beautifully arranged, leads us back to a painting that acts as the vehicle to carry the highest spirituality. And is that these scattered areas of pure color, without distorting structural without distorting messages, surround us with the supreme magic of color exercises to trigger estate positional most unpredictable emotions. But also here the painting becomes a minimum field of action, in a brief scene where his extraordinary power only assumes the formal cogency of a color mark plastic routes to follow.
It is a minimalist composition that ceases to be to become a maximalist emotional, sometimes we approach the supreme sensuality of a color in its greatest power circumstantial.

Saborido David’s painting has come to an estate highs. With it was a beautiful creed which holds no place for doubt. We are in a painting that has been ripe for both positions full of creative truth. Since there are no initial attempts, now everything is sustained in the horizons of a painting with a capital where many good situations involved. It’s time for a David Saborido it reaches a new class of painting. The rest are poor dialectical without substance.

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saborido.david@gmail.com

www.davidsaborido.com

También pueden ver más obras de este artista en:

En Granada (Spain): “Galería de Arte Granada capital”. Gran Vía De Colón, 13. 18001. Granada. Phone: 958 22 15 53. www.galeriagranadacapital.com

En Málaga (Spain): “Henarte Galería de Arte”. Comandante Benítez, 7. 29001. Malaga. Phone: 952 221 794. www.henarte.com

Alejandro Llamas es un joven artista nacido en Jerez de la Frontera con aires frescos e innovadores, con toques pictóricamente puristas y de formas más actuales como el cómic, el graffiti, la ilustración o el diseño.

Desde pequeño siempre andaba jugando con los lápices y las pinturas con lo que le hizo decantarse por estudiar Bellas Artes. Siempre le ha perseguido un oscuro pasajero que le impulsaba a crear.

Inició sus estudios universitarios en la Facultad de Bellas Artes de Sevilla donde adquirió una buena base técnica sobre las materias de dibujo, pintura y escultura, pero su incansable búsqueda de recursos plásticos y nuevas formas de representación le impulsó a marcharse a Valencia donde el arte emergente estaba a la orden del día. Una vez allí cursó materias de animación, medios audiovisuales, ilustración y diseño, en un proceso de aprendizaje bastante amplio que le permitió profundizar de forma muy intensa en el uso de las nuevas tecnologías.

Actualmente su faceta artística se centra entre la pintura y la ilustración, por el cual trabaja un estilo minimalista buscando la esencia de las cosas y su parte más espiritual. Suele decirse que lo más difícil es sintetizar todo el amasijo de información que nos rodea e indagar en el fondo del asunto: pues bien, Alejandro Llamas lo consigue situándose en una posición de vanguardia irrepetible. Sus obras siempre andan entre dos aguas, con recurso de una y otra disciplina dando unos resultados inesperados y muy personales.

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alejandrollamas@hotmail.es

Web: www.allamas.com

Flickr: www.flickr.com/allamas

Angela Adrover Amer es una joven artista mallorquina afincada en Jerez de la Frontera, con estudio de trabajo ubicado en la Plaza del Arroyo, 38, frente a la Catedral de la ciudad.

Inició su formación artística en Mallorca a los 13 años bajo las órdenes de Paula Gutiérrez, donde permaneció 15 años, compartiendo estudio con otros artistas.

Licenciada en Historia del Arte por la Universitat de les Illes Blears (U.I.B.), ha desarrollado gran parte de su trabajo en la isla de Mallorca, donde ha realizado numerosas exposiciones colectivas e individuales. En el 2006 logró dar el gran salto y exponer sus obras en otras zonas de España, entre las que destacan Jerez de la Frontera y Salamanca.

Su obra se caracteriza por el uso de colores limpios, pincelada suelta y luz mediterránea en la mayoría de sus obras.

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angela.adrover.amer@gmail.com

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Estudió Artes Visuales y Diseño Gráfico en Rosario, Argentina. Después de un breve paso por Editorial Biblioteca de la Universidad C. C. Vigil, comienza a trabajar en publicidad en la filial de Ogilvy & Mather de Buenos Aires. Siendo muy joven emigra a Europa y desarrolla su carrera profesional en España, fundamentalmente en Madrid. Actualmente reside y trabaja en Jerez de la Frontera.

Se plantea el diseño gráfico o la dirección de arte como una parte de un proceso de comunicación, no como una forma de expresión artística personal. Considera los objetivos de marketing y de comunicación, el target, la globalidad de una campaña, etc., condicionantes fundamentales en la creación de un trabajo, aunque simplemente se trate de una tarjeta de visita. La elección de imágenes, recursos gráficos o tipografías son para él parte del proceso de comunicación y por lo tanto deben apoyar el mensaje que se desea trasmitir y no ser meros adornos insustanciales, desgraciadamente cada vez más frecuentes. Para él en un mensaje debe estar todo lo que se desea trasmitir, no debe faltar nada. Pero tampoco debe sobrar, por muy bonito que resulte, por muy de moda que parezca. Si falta o sobra algo, se pierde el tiempo con el trabajo, pero sobre todo se hace perder dinero al cliente.

Paralelamente desarrolla una labor artística, fundamentalmente de collages reales y digitales que le sirven como antídoto para evitar tentaciones esteticistas en su trabajo profesional y en las que también huye de las influencias gráficas propias de su profesión.

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Sergio Moreno Domínguez es licenciado en Bellas Artes por la Universidad de Sevilla, pero antes que eso, es -sobre todas las cosas- un artista. Efectivamente, sus distintas facetas creativas le han llevado a experimentar todo tipo de técnicas expresivas: la pintura, uno de sus principales medios de expresión, la alterna con éxitos en la escultura, la poesía, la música, el cine, el teatro, el monólogo, y un sinfín de disciplinas que domina y en las que experimenta. En 2009 participó en la Bienal de Jóvenes Artistas de Europa y del Mediterráneo, que se celebró en Skopje (Macedonia), como integrante de la delegación española de artistas emergentes. La elegante escultura con la que consiguió su nominación para participar en tan importante cita -titulada Cabeza de Hojalata- supone un paso adelante en la continúa experimentación de este autor con los materiales y los efectos visuales. Pero más allá de las artes que desarrolla en la intimidad de su taller, es necesario resaltar una faceta de este autor que le hacen ganar protagonismo: su carácter extrovertido y abierto ante un escenario o público. En efecto, como actor de teatro, cortometrajes y documentales, monologuista, y cantante, Sergio Moreno cautiva al público con su dicción espontánea y zigzageante, cargada de humor, divertida, y profesional. De hecho, no es infrecuente ver a este artista inaugurar una exposición de cuadros o esculturas recitando poemas, alternados con monólogos o música, junto con su amigo Mr. Bean a la guitarra. En lo personal es de trato agradable, sencillo, destacando por su buen humor. De fácil conversación, no es infrecuente que intercale una cita filosófica con alguna broma mordaz e hilarante. Sus amigos, no es vano, le llaman el artist di’l concept, resaltando con ello de forma jocosa su jovial pero conceptual forma de entender las cosas, el mundo, lo que nos rodea.

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